音樂的型式

前言
音樂中的樂章
音樂演奏的編制
常見的古典音樂寫作手法

對於古典音樂的新鮮人來說，爬滿了 CD 背面的許多英文、義大利文和德文，給人的困擾可能就僅次於樂譜上的豆芽菜了。就算是學過三五年鋼琴的人，也未必能搞清楚那一堆神秘的符號背後到底是什麼東西。

希望藉著這篇簡短的介紹，帶領大家聆聽各式各樣的古典音樂，進而熟悉常見的音樂術語，掌握古典樂曲的基本形式。

Hsieh Jang-han , 1994 all rights reserved.

音樂中的樂章

樂章是音樂中完整而可以獨立的章節。從前宗教儀式的不同段落進行時，常常搭配不同的音樂，這種「有段落的音樂」可以視為樂章的起源。

一般的古典樂曲在各個樂章間往往有明顯速度、表情上的變化。而不同的樂曲有不同安排樂章的習慣。對於自認遲鈍到無法察覺樂句間情感起伏的人，先從樂章間的不同感覺聽起，應該算是比較容易的了。

Bach (1685-1750)	- Violin Concerto in A minor BWV 1041
Bartok (1881-1945)	- Piano Concerto No.3 (Mov.2->Mov.3)

音樂演奏的編制

獨奏曲

只有一個人演奏，常見的獨奏曲有鋼琴奏鳴曲(piano sonata)、管風琴曲 (organ music)；此外還有些曲名為「無伴奏小提琴組曲」、「無伴奏大提琴組曲」(suite for cello solo)、「無伴奏小提琴奏鳴曲」或是許多的「鋼琴小品」(piano pieces..)

Bach (1685-1750)	Sonata for Violin Solo No.1 - Fuge
Debussy (1862-1918)	Twelve Etudes for Piano Book1 No.1
Cage (1912-1992)	Mysterious Adventure (prepared piano)

室內樂和奏鳴曲

由數名演奏者每人各自演奏一個聲部，在古典時期確立了室內樂的形式（四樂章，重整體感）。常見的弦樂四重奏、鋼琴三重奏等名字裡有「N重奏」的曲子都是室內樂。而奏鳴曲則多半由一種樂器（如：小提琴、長笛）主奏並以鋼琴伴奏，如小提琴奏鳴曲、長笛奏鳴曲

Schubert (1797-1828)	'Death and the Maiden' Mov. 2
Franck (1822-1890)	Sonata for Violin and Piano Mov.4
Rorem (1923-)	Spring Music (string trio) Mov.4

管弦樂曲 - 交響曲、協奏曲、交響詩及其他

管弦樂曲的特色就是豐富的樂器種類和站在指揮台上帥帥的指揮。每個聲部都有許多相同樂器的管弦樂曲，和室內樂比起來，當然更容易塑造各種浩大的聲勢。現代交響樂團大約由一百支樂器組成，主要有弦樂、木管、銅管及打擊樂器等四個部份。到了二十世紀，有些音樂家開始放棄浪漫派晚期作曲家愛用的龐大管弦樂團，用了許多有別於傳統的樂器組合，這些曲子在編制上則常傾向上述的室內樂（如：Stravinsky - The Wedding）。

而交響曲及協奏曲各有不同的樂曲架構，就不多介紹。

Mozart (1756-1791)	Symphony No.29 in A, K.201
Stravinsky (1882-1971)	The Wedding

二十世紀累積的成果 - 新的音色及演奏方式

幾百年來，一直有許多作曲家致力於拓展樂器的演奏技術與音色。二十世紀初期的噪音音樂，將許多在十九世紀不被認為是音樂的聲音當作表現的媒介；在電子錄音技術發明之後，音樂家們當然不會放棄這嶄新的聲音處理方法。而機械演奏裝置也能演奏出許多原本單一演奏者不可能做到的事（科威爾與史特拉汶斯基都譜寫過給機械鋼琴演奏的曲子，這些曲子平常人當然彈不出來。）。關於現代音樂，那又是另一個可以大說特說的題目了！

Satie (1866 -1925)	Parade
Varese (1885-1965)	Ionisation, Ameriques
Nono (1924-1990)	Contrappunto dialettico alla mente

還有很多東西是我沒有提到的，例如：藝術歌曲、歌劇、聲樂。沒提到他們是因為我也聽得不多。有興趣的人應該再找人問問有什麼值得一聽的藝術歌曲，社上好像有個不少學長姐聽過很多藝術歌曲喔...

常見的音樂寫作手法

Unison（同聲）：

所有的聲部都演奏（唱）一樣的音高或是相隔八度音。前一陣子神奇地大受歡迎的「葛利果聖歌」就是一個例子。而古典時期及以後的音樂就甚少使用同聲來演奏，或許如此處理畢竟顯得單調。

Gregorian Chant
Bartok (1881-1945)	Mikrocosmos, Book I
Messiaen (1908-1992)	Quartet for the End of Time, Mov.6

Canon（卡農）：

同時有數個聲部互相模仿。這些依次出現的旋律線可能在不同的音高上開始，但是互相模仿的原則不會改變。這是一種古今音樂家都喜歡用的手法。

Pachelbel (1653-1706)	Canon
Franck (1822-1890)	Sonata for Violin and Piano, Mov.4
Bartok (1881-1945)	Mikrocosmos, Book I

Fuge（賦格曲）

三到四個聲部的音樂，相隔五度而在不同的調子上出現。各個聲部可能會互相模仿或是對答（對位旋律），如果沒有清楚的主題旋律出現，仍然會有明顯的特稱出現在音樂中。下圖以巴哈的平均律第二冊第一首賦格為例（摘自：大陸音樂辭典）

Bach (1685-1750)	Prelude and Fuge, Book II, Fuge in C major
Shostakovich (1906 - 1975)	24 Prelude and Fuge

Variations（變奏曲）

變奏曲一直是作曲家用來增加音樂統一感的常用手法。字面上的意思，就是把原本的某一個主題在反覆時加以改變。能造成音樂在不斷變化中仍然有統一的感覺。除了旋律的稍加改變以外，變奏曲還有許多其他的手法。如夏康舞曲(Chaconne)與帕薩加牙舞曲(Passacaglia)也是變奏曲，但是和古典、浪漫時期常用手法的不同在於他們是「和弦低音的變奏」與「頑固低音的變奏」。

簡單的說，其實夏康與帕薩加牙的差別並不重要。但以巴哈作品為例，他的帕薩加牙舞曲是在一個相同低音旋律上每次都承載著不一樣的音符出現，而夏康則沒辦法找到明顯的旋律，只是將每小節和聲低音的排列次序固定而寫下一段段的變奏曲。（這裡的名詞比較多，聽不懂的話也沒關係...真的對樂理有興趣的人則一定要聽 Tenz 的小組，他會把和聲與音階講得相當清楚。）

Bach (1685-1750)	Goldberg Variations (this is a Chaconne)
Bach	Passacaglia and Fugue in C minor

.... ohoh.. 下面不見了... 還有奏鳴曲... 輪旋曲...算了...

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